谁来为美术毕业创作“抄袭”现象负责？

　　美术专业毕业展览中的“抄袭”现象理应由创作者本人负责，但涉世未深的年轻学子如此作为常有无奈的成分。

　　毕业展“抄袭”现象不仅仅是美术教育院校应该思考的问题，展览馆、美术馆、画廊、各大展览评审委员乃至整个社会都应自我反省。欲遏“抄袭”之风，必究其源，我们是否为习艺者营造了一个积极并崇尚创新的文化艺术环境？

　　首先，美术高校应当分担部分责任。

　　经过学校的长期栽培，学生还是没有创新能力，投机取巧以抄袭应对毕业创作展览。创新能力应该如何培养？这是美术教育最值得深思的问题之一。如今已有大量文章深入探讨此类问题。令人遗憾的是，作为高校美术教育标志性成果之一的毕业创作展览，并未见多大起色。

　　创新能力的培养是一个系统而长期的工程，而高校美术教育在此存在严重问题。

　　第一，重技轻道，不重视美术史论课程的教学。学习中外美术史及艺术批评是美术专业必修的基础课程，以古鉴今，了解艺术发展的生态与规律，以便创作有思想、有个性的艺术作品。但是，许多的美术院校将美术史论课程安排为大班授课并课时极少，走马观花，没有切实和艺术实践相关连。

　　第二，重再现的技术训练占课堂教学主导地位，这种程式化训练模式导致了创造性思维的缺失及抄袭行为的发生。美术教育的目的应是通过专业训练使学生系统地掌握艺术技能和艺术语言的属性，在面对不同的选题时创造性地运用艺术手法进行表达，培养具有一定创新能力的美术人才。这需要教师提升自身的艺术修养，具备广博的知识，因材施教，启发学生的心智，激励艺术的创新。

　　第三，美术专业课程设置过度集中于单一学科，缺失核心素养通识课程的设计与实施。跨学科的学习与研究方法是激发创新思维的有效途径，纵观古今中外的艺术典范，艺术与哲学、宗教、文学、民俗或生物等学科相结合已是普遍现象，就画作《清明上河图》和电影《疯狂动物城》为例，以高妙的艺术语言阐明文化和社会发展中存在的问题，作品才具有历史文献价值和时代气息。再以外出写生为例，若能多多考察民情、体验民风，采用艺术人类学的研究方法进行实地调研，作品将不仅仅是记录表象，而会注入深刻的意涵，吸纳民间和民族优秀传统文化的精髓，让作品增加了文化的厚度和人性的温度。